«Постимпрессионизм, о котором рассказывается в этой книге, появился в 1886 году, после восьмой выставки импрессионистов, состоявшейся, как и обычно, в Париже. Именно эта дата считается началом нового направления. Это не прямое продолжение импрессионизма и не указание на то, что новое явление пришло «после» предыдущего. Но в творчестве Поля Сезанна, Винсента Ван Гога, Поля Гогена, Эмиля Бернара, Анри де Тулуз-Лотрека, Жоржа Сёра, Поля Синьяка, Анри Эдмона Кросса, Анри Руссо, Мориса Дени, Пьера Боннара, Эдуарда Вюйара, Альбера Марке, Амедео Модильяни воплотилась новая точка зрения на мироздание. Импрессионизм создал художественный мир, растворённый в лучах солнца или в красочном тумане; постимпрессионизм стремился к синтезу разума и чувства, раскрывал внутреннюю сущность самой обыденной вещи, вникал во внутреннюю жизнь человека, анализировал, порой даже критиковал. Многое из того, что не использовали импрессионисты, художники следующего направления вернули в живопись: это и черный цвет, и контур в живописном изображении. Художники-постимпрессионисты находились в непростых отношениях с миром, друг с другом, с самими собой. Поль Сезанн расстался с близким другом Эмилем Золя, а затем и вовсе удалился от столичной жизни, чтобы бесконечно писать виды горы святой Виктории рядом с городом Экс. Поль Гоген уехал на Таити. Его близкий друг Ван Гог покончил с собой. Беспокойной, мучительной была жизнь Тулуз-Лотрека, Амедео Модильяни... Да и искусство, созданное гениями постимпрессионизма, не назовёшь ни радостным, ни беззаботным. Зато оно ценно другим: и великими открытиями в области живописной техники, и глубоким проникновением в мистические тайны бытия, приближением к его первоосновам, по существу — трагическим, требующим от художника полной самоотдачи.»

«Испанская живопись XV-XVIII веков — особое явление в истории мировой живописи. Гении, творившие в то время, подарили миру шедевры, которые оказали влияние на живопись других стран и на творчество художников будущих поколений. Этот том большой серии, рассказывающей о шедеврах мировой живописи, посвящен испанским художникам. В верстке книги отразилась значимость творческого наследия каждого из мастеров. Полотна, наиболее характерные для их творческой манеры, занимают важное место на страницах книги. О рождении замысла многих работ, об особенностях их воплощения, о перипетиях жизни художников рассказано в очерке жизни и творчества. Книга предназначена тем, кто хотел бы составить цельное впечатление о возникновении, формировании и развитии испанской живописи XV-XVIII веков. Подробное, прекрасно иллюстрированное издание, включившее в себя множество имен (известных широкой аудитории и ранее незнакомых), интересные биографические сведения, написанные известными авторами, поведет читателя «сквозь года и столетия». Издание, написанное простым и ясным языком, ориентировано на широкий круг читателей: и на знатоков живописи, и на тех, кто впервые заинтересовался творчеством испанских художников.»

«Стиль ар нуво — разновидность модерна — получил широкое распространение в изобразительном искусстве и архитектуре последних десятилетий прошлого века и в начале нынешнего. Данный «Путеводитель», принадлежащий перу английского искусствоведа Уильяма Харди, призван помочь читателю проследить периоды становления, расцвета, а затем и упадка ар нуво, разобраться в художественных особенностях стиля, а также лучше узнать творчество его ведущих мастеров. Книга богато иллюстрирована и снабжена алфавитным указателем.»

Голландская живопись уникальна в своем роде. Она повлияла на развитие итальянской и испанской художественных школ. К лучшим произведениям голландской живопи­си обращались все прогрессивные деятели искусства XVIII—XIX вв. Полотна таких великих мастеров, как Босх, Гольциус, Гойен, Рембрандт, Фабрициус, ван Гог, до сих пор не оставляют зрителя равнодушным. Настоящее издание знакомит читателя с наиболее характерными сторонами творчества голландских художников XVI-XIX вв., с самыми известными их работами, а множество репродукций дает возможность оценить вклад этих мастеров в процесс формирования мирового художественного искусства. В основу книги положен хронологический принцип, что позволяет быстро найти сведения о любом живописце. Каждый раздел содержит описание жизни и творчества того или иного художника, здесь также представлены его работы, что позволяет лучше понять внутренний мир мастера. Все произведения живописи снабжены подробными характеристиками, которые содержат не только название картины, но и сведения о времени написания, размере, а также последнем месте хранения произведения. Настоящее издание является поистине незаменимым для всех, кто интересуется голландской живописью.

Настоящий том энциклопедии посвящен искусству Западной Европы XV века (раннее Возрождение). В книге три раздела; в первом показаны основополагающие элементы, которые составляют структуру этого искусства, такие как виды, жанры, техники, приоритетные темы; во втором рассмотрены многочисленные региональные школы и в третьем — творчество отдельных мастеров. Материал охвачен удивительно емко: каждая из статей дает весомое представление о своем предмете, а дополняя друг друга, они воссоздают широкую, многоплановую панораму художественной жизни эпохи. Увлекательному тексту соответствует подробно иллюстрирующий его великолепный зрительный ряд. Эта первая на отечественном книжном рынке энциклопедия по художественным эпохам адресована всем интересующимся вопросами искусства и стремящимся понять его глубже, систематичнее и более детально.

Альбом-каталог, содержащий множество иллюстраций произведений художников, скульпторов, архитекторов, создающих свои произведения в стиле неоклассицизма. В состав альбома вошли статьи В. Леняшина «Не о классицизме», В. Круглова «Русский неоклассицизм», О. Мусаковой «От русского авангарда к советской неоклассике», а также биографии художников и краткие аннотации к произведениям, воспроизведенным в альбоме.

Иллюстрированный альбом знакомит с работами известных московских художников, последователей художников группы «Бубновый валет» Г. Сретенского и Н. Стеньшинской. Они активно работали с 1920-х годов и завершили творческий путь уже ближе к концу ХХ столетия. Можно сказать, они находились на магистральном пути русского искусства и, подытожив опыт начала века, пронесли свои принципы до самого его конца. Им была по-настоящему дорога традиция московской школы, тяготеющая, в отличие от петербургской, к форсированию красочных отношений. Внимательно присматриваясь к пейзажам, портретам, а иногда и натюрмортам, зритель найдет в них не только высокое художественное мастерство, но и определенно чувствуемые попытки взглянуть на старую «природу» глазами нового человека.

Эпоха барокко, которая расцвела между абсолютизмом и Просвещением, считается последней, подарившей искусству стиль панъевропейского масштаба. Воспринимаемое продолжительное время исключительно в качестве боковой ветви на древе искусства Возрождения, барокко представляет собой сложное и динамичное разнообразие форм и выразительных средств, составивших полную противоположность умеренности неоклассицизма. Житейские радости и чувственность, религиозная мистика и строгий аскетизм, свобода выражения и строгость правил — все шло рука об руку в эту эпоху. Одновременно с этим в мир искусства вошли театральные и сценические эффекты, предваряя приемы иллюзионизма. Переводчик: А.В. Гусева. Цветные репродукции.

В живописи Возрождения западноевропейское искусство достигает своего наивысшего расцвета. Новые горизонты, открывающиеся благодаря развитию естественных наук, географические открытия, религиозные конфликты, политические и социальные беспокойства, — все было отражено в живописи. Реальное и идеальное, мирское и священное, буйный мистицизм и холодный скептицизм расцветали одно рядом с другим. Перевод с английского Ю.В. Севостьяновой.

Книга посвящена истории развития живописи в течение семи веков (с XIII по ХХ вв.). Издание состоит из четырех разделов, знакомящих читателя с основными художественными направлениями, от Раннего Возрождения до абстрактного экспрессионизма. Каждый раздел иллюстрирован картинами, которые наиболее ярко отражают эстетику художественного периода. Альбомный размер репродукций (в книге их 150) позволяет рассмотреть картины детально, а краткий очерк о самом произведении и его создателе дает возможность глубже понять замысел художника. В обзорных статьях, предваряющих разделы, дан анализ художественных течений, представленных в книге. Издание снабжено алфавитным списком художников, а также перечнем художественных собраний, в которых находятся произведения, представленные в книге.

Книга посвящена истории развития русской живописи в течение семи веков — с XIII по XX. В ней даны биографии и произведения 150 русских художников, среди которых представлены как прославленные, так и малоизвестные широкому кругу мастера живописи. Издание делится на четыре периодических раздела, знакомящих читателя с основными направлениями, от древнерусской иконописи до авангарда и соцреализма. Каждая глава предварена вступительной статьей, где рассказывается об особенностях художественного периода, дан анализ основных течений, и проиллюстрирована картинами, наиболее ярко отражающими эстетику данного времени. Издание адресовано всем, кто интересуется историей искусства и культуры.

«Работа посвящена футуристической книге — новаторскому виду искусства, объединившему творческие устремления разных представителей отечественного авангарда начала XX в. — поэтов, художников, издателей А. Крученых, Д. Бурлюка, В. Хлебникова, В. Каменского, В. Маяковского, В. Татлина, О. Розановой, П. Филонова, Н. Гончаровой, М. Ларионова, М. Матюшина, Г. Кузьмина и С. Долинского и др. Это существенно переработанный вариант монографии, вышедшей в «Гилее» в 1998 г. и ныне считающейся библиографической редкостью. В приложении дан обновленный и расширенный каталог футуристических изданий с 1909 по 1916 г. Книга содержит множество иллюстраций, часть из них воспроизводится впервые.»

Живопись импрессионистов, пожалуй, и до сегодняшнего дня осталась самой любимой публикой. Это подтверждают сенсационные успехи выставок последних лет Дега, Гогена, Ван Гога, Мане, Моне или Ренуара и торговые рекорды при продажах их картин. Необозримой кажется и их литература, посвященная этим художникам, и, тем не менее, импрессионизм и сегодня не исследован в отдельных областях, а многие художники остались неизвестными или забыты. Предлагаемая монография излагает историю живописи импрессионистов, включая так называемый пост- или неоимпрессионизм во Франции. Кроме того, она дает обзор родственных художественных течений в других европейских странах, а также в Северной Америке.

No artistic education is complete without a healthy dose of the Impressionists. Here, fifty of the most important works from the early nineteenth to the turn of twentieth centuries are reproduced in gorgeous colour, including the best of Monet, Degas, van Gogh, Renoir, Cezanne, Cassatt, Manet, Seurat, and Pisarro. Each piece is given a brief overview establishing its place in the Impressionist pantheon as well as in its artist's oeuvre. An introductory text explains the Impressionistic style, tracing the movement's development, while an appendix offers biographies of the artists. The result is a veritable seminar on Impressionism, creating a fun and practical art history lesson that everyone can enjoy.

Книга известных специалистов-искусствоведов (Сарабьянов Владимир Дмитриевич, кандидат искусствоведения, художник-реставратор высшей категории; Смирнова Энгелина Сергеевна, доктор искусствоведения, профессор кафедры истории искусств МГУ) посвящена истории живописи Средневековой Руси, начиная от принятия христианства в конце X века до начала реформ Петра I и основания Санкт-Петербурга в 1703 году. В книге рассматриваются настенные росписи храмов, выполненные в технике мозаики и фрески, иконы, книжные миниатюры и орнаменты. Характеризуются произведения времен Киевской Руси из Киева и Чернигова, Полоцка и Галича, а также памятники Новгорода и Пскова, Ростова, Суздаля и других городов. Видное место занимает характеристика художественного наследия Москвы XIV-XVII веков, включая произведения знаменитых иконописцев: преподобного Андрея Рублёва, Дионисия, Симона Ушакова и других. В общей сложности авторский коллектив работал над книгой около десяти лет.

«В 1916 году в «Кабаре Вольтер» в Цюрихе собрались художники, писатели, эмигранты и оппозиционеры. Так было положено начало дадаизму, художественно-литературному стилевому направлению возникшему под впечатлением Первой мировой войны. Существовавшее приблизительно до 1923 года, движение выступало против жизненных и художественных ценностей буржуазии; без оглядки на логику, мораль и традиции дадаисты стремились создать провокационное антиискусство и отрицали любую эстетическую систему. Важными средствами художественного выражения дадистов были коллажи, монтажи и ассамбляжи — расположенные в произвольном порядке, вырванные из различных сред объекты, представшие в новых структурах, — будь, скульптуры или звуковые стихи.»

В области визуально искусства термин «реализм» относится к живописной технике, максимально приближенной к реальности. Объективную реальность часто изображают критически, но в процессе работы стараются сохранить основные максимальную правдоподобность: пропорции, трехмерность, цвет, расстояние, освещение. Данная книга знакомит читателя с различными стилями реализма, появившимися за последние 150 лет, – это классический реализм, новая объективность, американский реализм, новый реализм, социалистический реализм и фотореализм. В книге читатели познакомятся с биографиями и произведениями таких мастеров, как Арман Балтус, Макс Бекман, Чарлз Белл, Карл Блоссфельд, Исаак Бродский, Сан Пьетро ди Каньяччо, Чак Клоуз, Александр Дейнека, Отто Дикс, Ричард Эстес, Уокер Эванс, Эрик Фишл, Лусьен Фрейд, Леон Голуб, Дуан Хансон, Эдвард Хоппер, Фрида Кало, Тамара де Лемпицка, Вольфганг Матойер, Джорджо Моранди, Рон Муек, Феликс Нуссбаум, Джорджия О’Киф, Филипп Перлштейн, Антон Редершейдт, Герхард Рихтер, Диего Ривера, Кристиан Шад, Бен Шан, Чарлз Шиллер, Даниэль Споэрри, Вернер Тюбке, Джефф Уолл, Грант Вуд.

Фантастические элементы присутствовали в изобразительно искусстве во все времена, наиболее ярко проявлялись в периоды социальных катаклизмов, смены эпох и общественных укладов. Характерные черты фантастического легко обнаружить в маньеризме, романтизме, символизме и сюрреализме. Фантастические произведения могут опираться на мифологические, эротические и другие мотивы, зачастую они посвящены нереальным, вымышленным, сверхъестественным сюжетам. Художники-фантасты следуют за своей интуицией, ищут собственный путь, опираются на воображение, изобретают невиданные волшебные миры. Как правило, их творчество нельзя отнести ни к одному из господствующих течений в искусстве, оно слишком самобытно. Такие художники больше исследуют себя и свой внутренний мир, чем окружающую действительность. В этой книге вы найдете наиболее показательные образы фантастической живописи с концу XIX в. до наших дней. В книге читатели познакомятся с произведениями и биографиями таких художников, как Ханс Беллмер, Питер Блюм, Арнольд Бёклин, Фернандо Ботеро, Маурицио Каттелан, Джейк и Динос Чэпмены, Джорджо де Кирико, Фабрицио Клеричи, Сальвадор Дали, Поль Дельво, Питер Доиг, Джеймс Энсор, Леонор Фини, Эрнст Фукс, ХР Гигер, Рудольф Хауснер, Фердинанд Ходлер, Фрида Кало, Фернан Кнопф, Густав Климт, Макс Клингер, Альфред Кубин, Вильфредо Лам, Сидни Нолан, Рихард Эльце, Одилон Редон, Анри Руссо, Пьер Руа, Рудольф Шлихтер, Франц фон Штук, Доротея Таннинг, Вернер Тюбке, Эндрю Уайет, Чзан Сяоган.

«Книг, посвященных ампиру — одному из самых известных периодов в истории русского искусства, — почти не выходило. Последние фундаментальные издания о русском ампире появились в 1935-1936 годах. Поэтому выходящий накануне наступления нового тысячелетия иллюстрированный альбом «Русский ампир» можно считать первой попыткой освоения темы с позиций современного искусствознания. В нем отражено все многообразие проявления стиля в архитектуре, скульптуре и декоративной живописи, в искусстве создания ансамблей интерьеров, мебели и бронзе, фарфоре и стекле, серебре и светильниках, костюмах и тканях.»

«Поп-арт — это сокращенный вариант словосочетания «популярное искусство» (popular art). Поп-арт возник в середине 1950-х годов в Англии, как реакция на абстрактную живопись, которую сторонники поп-арта считали слишком сложной и элитарной, однако своего расцвета он достиг в 1960-х годах в США. Он заменил возвышенное повседневным, изделия массового производства поставил наравне с уникальными предметами и стер различия между высокой и популярной культурами. Основные черты поп-арта: яркие радужные цвета, броские формы, использование пластика, повторяющиеся элементы. Поп-арт открыто оспаривал принципы «хорошего дизайна», отрицая модерн и его ценности. Основной упор делался на изменения, разнообразие, веселье, бунтарство и недолговечные, одноразовые вещи, дешевизну и ставку на массовое потребление. Дизайнеры занялись производством вещей, которые потребитель желал, а не тех, в которых он нуждался. На первый план вышел стиль, впервые недолговечные, одноразовые вещи стали приниматься за норму. Излюбленным материалом дизайнеров стал пластик, изделия из которого — ярких цветов и броских форм — пришлись по вкусу молодежи. Черпая вдохновение в самых разных течениях от ар нуво и ар деко до футуризма, сюрреализма, оп-арта, китча, психоделического и космического стилей, сторонники поп-арта оказали огромное влияние на мир искусства и дизайна. Средства массовой информации и реклама были основными темами поп-арта, остроумно прославлявшими «общество потребления». Восторг, вызванный поп-артом с момента появления первых его произведений на широкой публике, больше уже не утихал — сегодня же он велик, как никогда ранее.»