Историю искусства не следует воспринимать как череду картин и скульптур или их воспроизведений в книгах, история искусства — это истории жизни талантливых людей со всеми трудностями в процессе творчества. Как художник переходил из разряда безымянных ремесленников в ранг признанных мастеров? Кто открыл для нас таких гениев, как Брунеллески и Боттичелли, Леонардо да Винчи и Микеланджело? Почему именно Флоренция стала центром европейской культуры? На эти вопросы отвечает в своей книге искусствовед Наталья Сорокина, чьи лекции давно завоевали любовь слушателей. Книга «Искусство и деньги» расскажет вам о том, как оценивался труд архитектора, скульптора или живописца во времена Возрождения, о том, как заказчик во многом определял ход истории искусства, а публика – влияла на культурную эволюцию. Наталья Сорокина – лектор, кандидат искусствоведения, итальянист, старший научный сотрудник НИИ теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств, доцент ВГИК.

«Из грандиозных архитектурных сооружений, живописи, художественных ремесел и домашней утвари, из скульптуры, танца, каллиграфии и поэзии складывается яркая мозаика уникальной культуры Восточной и Юго-Восточной Азии, оказавшей огромное влияние на искусство Запада. Мы проведем читателя от каменных объектов неолита до произведений искусства современного Китая. Вы познакомитесь с мемориальными сооружениями, фарфором, рисунками, выполненными тушью, с Запретным городом, мебелью, лаковой миниатюрой и шелкографией. Каллиграфия и обработка нефрита ввиду их исключительного значения для восточноазиатского культурного ареала представлены в двух отдельных главах. Чрезвычайно важна для всей Юго-Восточной Азии и техника производства текстиля, которой также посвящена отдельная глава. Восхищение вызывают знаменитые храмовые сооружения Юго-Восточной Азии, равно как и продольные нефы Индонезии, и традиционные постройки на Малых Зондских островах. Особого внимания заслуживает зрелищное искусство: театр теней «ваянг», ритуальный и придворный танец. Удивительный мир джунглей в Ангкоре знакомит с высокоразвитой цивилизацией кхмеров, а Паган является крупнейшим храмовым комплексом в мире. Во Вьетнаме, где заметно сильное воздействие Китая, в императорском городе Хюэ все же сформировалась самобытная культура. Таиланд и Лаос завораживают своими роскошными дворцами и храмами. Вся полнота, все разнообразие Японии предстают в архитектуре дворцов, крепостей, храмов и традиционных жилых построек; они отражены и в принципах садово-парковых ансамблей дзен. Основное внимание уделяется, как правило, керамике и живописи, в то же время непременно следует отметить богатую символику лаковой миниатюры, нэцкэ и театральных масок. Завершают картину скульптурная пластика, придворное искусство, искусство самураев и фольклор. И наконец, многообразие корейских произведений искусства проиллюстрировано ранними изделиями из бронзы и золота, характерными каменными сосудами, живописными полотнами и драгоценными одеяниями.»

Книга посвящена типологии и эволюции первобытного и традиционного искусства народов Африки и Австралии. Чем было искусство в момент его появления? Что заставило человека совершенствовать свои навыки в живописи и пластике? Это лишь краткий перечень вопросов, на которые пытается ответить автор книги.

Книга посвящена необычному виду изобразительного искусства — оптическим иллюзиям. Каждому из нас приходилось хоть раз сомневаться в том, что видят наши глаза, удивляться тому, как рассматриваемый нами объект может представляться одной вещью, а при повороте представать совсем иной. Визуальные парадоксы и каламбуры уже не первое столетие очаровывают и захватывают людей, уводя их в увлекательный мир игры. Исследование феномена оптических иллюзий началось еще в конце XIX века, но до сих профессионалы не могут объяснить, как многие из них «работают». В данной книге представлен наиболее полный спектр существующих зрительных иллюзий, расположенный во временном порядке по мере их появления и развития. Читателя ждет встреча не только со знаменитыми работами и мастерами этого жанра, но и знакомство с малоизвестными или совсем неизвестными художниками, графиками, скульпторами и даже архитекторами, обращавшимися в своем творчестве к созданию оптических иллюзий. Богатый иллюстративный материал, снабженный пояснительными комментариями, не оставит никого равнодушным.

Книга, рассчитанная на широкий круг читателей, рассказывает о судьбах картин и художников. Отдельные очерки-расследования демонстрируют чувства, мотивы и житейские обстоятельства, которые руководили мастером в его творчестве, и подтолкнувшие его нарисовать именно этот сюжет, а не другой. Эти иллюстрированные рассказы показывают, как небольшой эпизод из детства художника или какой-то случай в его зрелом возрасте влияет на направление его жизненного пути. Такие сведения делают восприятие картин более полным. Почти все полотна художников после создания начинают жить своей, независимой жизнью. Некоторые пылятся десятилетиями в запасниках музеев или даже на чердаках домов. Другие купаются в лучах славы и ежедневно снисходительно принимают толпы поклонников. Картины похищают, калечат, реставрируют, подделывают и даже жгут. Некоторыми полотнами восхищаются, другими возмущаются. Одни картины обогатили своих владельцев, другие стали проклятием своих заказчиков. За каждой любопытной картиной тянется своеобразный исторический шлейф, и книга рассказывает об удивительных судьбах некоторых полотен. Она включает тридцать четыре очерка, каждый из которых читается как детективная история.

«Увлекательный мир искусства в одной книге! Здесь вы найдете ответы на все вопросы искусства, в которых должен разбираться современный образованный человек. Энциклопедией удобно пользоваться: она включает в себя словарь, статьи и очерки по основным направлениям живописи,скульптуры, архитектуры, экскурсы в историю искусства и рассказы о знаменитых мастерах и музеях мира. «Полная энциклопедия искусства»: увидеть, узнать, понять, ощутить красоту мира искусства!»

Оставляя читателя антологии наедине с яркими и глубокими высказываниями теоретиков и мастеров искусства о любви (и как в творческом акте, и в содержании произведений, во впечатлении от подлинных шедевров), автор-составитель ставит главной задачей обоснование своей гипотезы об энергийной природе изучаемого феномена. Эта цель и определяет характер отбора материалов, составивших книгу. Антология может привлечь внимание тех, кого интересуют экстрасенсорные (телепатические) аспекты любви, как в искусстве, так и в жизни. В текст книги включена статья С.С. Ступина, дополняющая авторскую концепцию с позиций аналитики антропологически значимых характеристик художественных языков.

«Завтрак у Sotheby’s» Филипа Хука — остроумное и увлекательное исследование феномена искусства и его коммерческой стоимости. В центре внимания известного английского искусствоведа, сотрудника знаменитых аукционных домов «Сотби» и «Кристи», не понаслышке знакомого с таинственной, скрытой от глаз дилетантов жизнью рынка искусства, — секрет популярности отдельных художников и творческих направлений, отношения художников и моделей, истории нашумевших похищений и подделок. Что сколько стоит? Почему произведение становится «иконой»? Кто из художников сумел создать собственный бренд? Можно ли уберечься от подделок? Как украли «Мону Лизу»? Филип Хук проведет читателя по лабиринтам арт-рынка и предложит собственные ответы на эти и многие другие вопросы.

Иосиф Бакштейн — один из самых известных участников современного художественного процесса, не только отечественного, но интернационального: организатор нескольких московских Биеннале, директор Института проблем современного искусства, куратор и художественный критик, один из тех, кто стоял у истоков концептуалистского движения. Книга, составленная из его текстов разных лет, написанных по разным поводам, а также фрагментов интервью, образует своего рода портрет-коллаж, где облик героя вырисовывается не просто на фоне той истории, которой он в высшей степени причастен, но и в известном смысле и средствами прокламируемых им художественных практик.

Эта компактная книга представляет собой краткое введение в мир западноевропейской живописи. В ней собраны самые знаменитые и яркие полотна начиная с эпохи Раннего Возрождения и заканчивая 21-м столетием. Книга будет в равной степени полезна и тем, кто только приступает к изучению живописи, и желающим узнать больше об истории искусства. В книге рассматриваются самые важные понятия живописи: формат и основа картины, материалы и техника, композиция и стиль. Здесь подробно разбираются отдельные элементы художественных полотен, которым дается небольшое, но емкое описание.

Данное издание — первый том в серии GARAGE Pro, новой инициативе Музея современного искусства «Гараж» и издательства «Ад Маргинем Пресс». Задача серии — представить размышления кураторов, художников, критиков и искусствоведов из разных уголков мира о кураторской практике, функциях современных музеев и работе в сфере искусства сегодня.

«Мост через бездну» – первая книга Паолы Волковой, написанная ей на основе собственного курса лекций. Образ моста, по словам самой Паолы Дмитриевны, был выбран не случайно — как метафора всей мировой культуры, без которой мы бы не состоялись. Блестящий педагог и рассказчик, через свои книги, лекции, да и просто беседы она прививала своим студентам и собеседникам чувство красоты, стараясь достучаться до их душ и очистить от накопившейся серости. Одна из самых знаковых книг для любого образованного человека, «Мост через бездну» приглашает нас в путешествие сквозь века. В книге прослеживаются новые связи между отдаленными формами, не лежащими на поверхности и перед глазами. От Стоунхэнджа до театра «Глобус», от Крита до испанской корриды, от европейского средиземноморья до концептуализма ХХ века – все это связано между собой и может существовать друг без друга. Настоящее издание представляет переработанный цикл «Мост через бездну» в той форме, в которой он был задуман самой Паолой Дмитриевной – в исторически-хронологическом порядке. В него так же войдут ранее неизданные лекции из личного архива.

Книга является третьим томом пятитомного учебного пособия «Теория и история искусствознания». Первый том учебного пособия — «Античность. Средние века. Возрождение», второй — «Просвещение. Ф. Шеллинг и Г. Гегель», четвертый — «XX век. Духовно­исторический метод. Социология искусства. Иконология», завершающий том учебного пособия посвящен искусствознанию эпохи постмодерна. Автор исследует историю и теорию европейского искусствознания на основе методологии российского философско­эстетического «течения» 30­х гг. XX в., видевшего свою цель в возрождении наследия мировой классической культуры. Данный том посвящен изложению теоретических основ формальной школы в искусство­знании — ведущего направления теории искусства первой трети XX в. Формальная школа вобрала в себя важнейшие методологические открытия искусствознания XIX в., но положила конец господству культурно­исторической школы и открыла новую эру в истории науки об искусстве. Материал излагается таким образом, чтобы издание могло послужить одним из учебных пособий для аспирантов, изучающих философию и историю науки по специальности «Искусствознание», и для студентов, слушающих курс лекций «Тео­рия и история искусствознания».

Книга является вторым томом пятитомного учебного пособия «Теория и история искусствознания». Первый том учебного пособия — «Античность. Средние века. Возрождение», третий — «XX век. Формальная школа», четвертый — «XX век. Духовно­исторический метод. Социология искусства. Иконология», завершающий том учебного пособия посвящен искусствознанию эпохи постмодерна. Автор исследует историю и теорию европейского искусствознания на основе методологии российского философско­эстетического «течения» 30­х гг. XX в., видевшего свою цель в возрождении наследия мировой классической культуры. В книге «Просвещение. Ф. Шеллинг и Г. Гегель» дана картина тех вершин, которых достигла классическая ­европейская теория и история изобразительного искусства в XVIII и XIX вв., а также отмечены свойственные ей границы. Материал излагается таким образом, чтобы издание могло послужить одним из учебных пособий для аспирантов, изучающих философию и историю науки по специальности «Искусствознание», и для студентов, слушающих курс лекций «Теория и история искусствознания».

Яркое журналистское расследование о контрабанде произведений искусства, и в частности работ художника русского авангарда Павла Филонова.

Опубликованные в 1976 году в журнале «Артфорум» эти провокационные эссе Брайана О'Догерти сразу вызвали ажиотаж. Их обсуждали, комментировали, цитировали и переводили; три номера «Артфорума», в которых они были напечатаны, стали библиографической редкостью. Для нынешнего арт-мира их переиздание является знаковым событием. Настоящая книга включает, помимо трех эссе 1976 года, еще один важный критический текст О'Догерти — «Галерея как жест», — вышедший десять лет спустя. О'Догерти был первым, кто беспристрастно диагностировал в послевоенном искусстве кризис, связанный с функционированием современных музеев и коммерческих галерей. Это функционирование и является предметом его анализа. Исследуя запутанные взаимоотношения между экономикой, социальным контекстом и эстетикой, отображающиеся в конфликтном пространстве галереи, он задается вопросом, какова роль этого пространства в работе художников. Эссе О'Догерти будут полезны всем, кто интересуется историей послевоенного искусства в Европе и США. Богатые идеями, не боящиеся противоречий и парадоксов, они демонстрируют как интуитивную проницательность художника (О'Догерти выставляется под именем Патрик Ирландский), так и строгость мысли ученого.

В 1951 году в Милане состоялась первая выставка, посвященная Микеланджело Меризи да Караваджо и его последователям. Ее инициатором был Роберто Лонги, отдавший 40 лет жизни изучению творчества мастера. Благодаря усилиям ученого личность ломбардского гения стала обретать реальные очертания. Лонги принадлежат слова: «Караваджо — не столько последний художник Возрождения, сколько первый художник Нового времени. Он произвел переворот в мышлении, в устоявшемся социальном порядке и в отношениях, а поскольку это произошло в эпоху, свободную от предрассудков и открытую переменам, результаты совершенного им переворота остаются необычайно современными» Работая с натуры, Караваджо тем не менее не копировал ее — бытовая сторона действительности его не интересовала. В понимании Меризи правда жизни заключалась в психологической достоверности характеров и изображаемой сцены; евангельские сюжеты и образы в его интерпретации обретали глубокий, полный драматизма смысл. Демократизм и духовная глубина его искусства были созвучны времени, процессам, происходившим внутри самой католической церкви, и новым запросам и настроениям общества, включая высшие круги римской знати. Именно поэтому искусство великого ломбардца за десятилетие его жизни в Риме завоевало огромную популярность не только у заказчиков и коллекционеров, но и у коллег-живописцев. Художники двух поколений, причем не только итальянцы, но и приезжавшие в Вечный город из разных европейских стран, оказались вовлеченными в революционное направление искусства, которое позднее получило название караваджизм. Караваджизм стал важной составной частью всей европейской культуры XVII века. Влияние великого ломбардца ощутили на себе не только те, кто считался его последователем, но и художники других направлений. Открытия Караваджо во многом предвосхитили и художественную культуру Новейшего времени.

Книга предлагает новую всестороннюю интерпретацию искусства Джованни Баттиста Пиранези (1720—1778) в контексте противоречивых художественных и научных взглядов того времени на античную классику. Это первое исследование, посвященное Пиранези как художнику и мыслителю, где его творчество и философия рассмотрены в единстве, а «спор о греках и римлянах» реконструируется в числе прочего, по документам, которых прежде никто не касался. Лёля Кантор-Казовская — доктор искусствоведения, старший преподаватель Еврейского университета в Иерусалиме, специалист по архитектурной теории и художественной культуре XVIII века.

Новаторская по содержанию и форме, книга «Искусство с 1900 года» уже признана вехой в истории искусства. Для ее второго издания Хэл Фостер, Розалинд Краусс, Ив-Ален Буа и Бенджамин X. Д. Бухло, ведущие историки искусства и критики нашего времени, уточнили и расширили свои первоначальные тексты, а также дополнили издание обзором новейших тенденций современного искусства. В компании с Дэвидом Джослитом они предлагают читателю самую полную на сегодняшний день критическую историю искусства XX — начала XXI века. Сто двадцать две главы, выстроенные хронологически, год за годом обозревают ключевые события в искусстве — будь то создание выдающегося произведения, публикация важного текста или открытие значительной выставки, — образуя не одну, а множество историй искусства в период с 1900 года до наших дней. Углубленному анализу подвергнуты все поворотные моменты и прорывы модернизма и постмодернизма, а также шедшие им наперекор антимодернистские реакции. Во второе, дополненное издание книги включены новые главы, посвященные движению «Де Стейл», использованию манекенов и автоматов дадаистами, модернистскому дизайну между двумя мировыми войнами, выходу на глобальную художественную арену китайских художников, роли компьютерных игр и социальных сетей в искусстве XX — начала XXI века, а также влиянию на него рынка. Гибкая структура книги, пронизанной сетью перекрестных ссылок, позволит читателю выбрать свой собственный курс в изучении искусства XX — начала XXI века с опорой на один из нескольких сценариев — таких, как история определенного медиума, например живописи; развитие искусства в определенной стране; эволюция того или иного направления, например сюрреализма; формирование единого стилистического или концептуального корпуса произведений, например абстракционизма или минимализма. В четырех введениях подробно рассмотрены основные методологии, направляющие историю искусства наших дней: это поможет читателю лучше понять сегодняшние критические подходы. В рамках двух круглых столов авторы совместно обсуждают некоторые вопросы, поднятые искусством первой и второй половины XX века, а также выступают с предположениями о будущем. Дополнительная информация о внешних, но важных для истории искусства событиях, местах и людях дана во врезках, пунктиром сопровождающих текст. В конце тома помещены глоссарий, разъясняющий ряд ключевых понятий книги, обширная библиография по ее темам и перечень основных интернет-ресурсов по искусству. Считающаяся итоговой на данный момент работой в своей области, книга «Искусство с 1900 года» будет полезна каждому, кто хочет разобраться в хитросплетениях искусства современной эры.

Век импрессионизма был чрезвычайно недолог – всего двенадцать лет. Но и за столь короткий период импрессионистам удалось совершить революцию в живописи, изменив взгляд человечества на окружающий мир. Клод Моне, Огюст Ренуара, Эдгар Дега, Камиль Писсарро, Фредерик Базиль и другие представители направления сумели сделать невозможное: запечатлеть ускользающий миг бытия, отразить весь спектр человеческих чувств и эмоций. Как же возник импрессионизм, почему стал так популярен? Издание призвано простым языком рассказать об одном из самых известных направлений в живописи, восполнить возможные пробелы в знаниях и побудить читателя на более глубокое изучение предмета.